Tir de 12 modèles en 24 heures avec le Fujifilm GFX 100

Aujourd'hui, je vais vous donner un aperçu détaillé d'un nouveau projet de grande envergure que j'ai réalisé avec le Fujifilm GFX 100. Ce sera un essai plus long destiné à vous donner une expérience pratique pour vous aider à décider si l'appareil photo vous convient ou pas. .

J'aime les défis.

Mes parents pourraient peut-être attribuer cela à une certaine obstination innée qui, malgré tous leurs efforts, était incapable de s'entraîner hors de moi. Mon bon ami et partenaire d'entraînement au gymnase pourrait plutôt simplement considérer cela comme une preuve supplémentaire de mes tendances sadomasochistes. Moi? Je l'appelle juste mercredi.

La vérité est que je crois que mon besoin chronique de repousser mes propres limites est à la fois une incitation à me lever du lit et une condition essentielle pour grandir en tant qu’artiste. Les personnes qui atteignent des sommets dans la vie n’y arrivent pas en se reposant sur leurs lauriers. Et bien que nous devions préciser au début de cet article que je ne me classe en aucune manière comme un grand, m'efforcer d'être meilleur me semble être un objectif humain fondamental. Et je soupçonne que vous en partagerez également un.

Personnellement, j’ai toujours été quelqu'un qui apprend en faisant. Vous pouvez regarder tous les tutoriels que vous voulez. Vous pouvez aller pour obtenir une éducation formelle. Les deux positifs. Mais rien n’est comme aller sur le terrain et se salir les mains. C’est ainsi que la théorie se transforme en application pratique.

Cette pratique mènera éventuellement à la maîtrise de votre métier et, si vous le souhaitez, à la possibilité de gagner votre vie avec votre appareil photo au lieu de devenir simplement une source de dette de carte de crédit. Mais, l'apprentissage est un processus éternel. Même une fois que vous vous êtes établi dans votre carrière et que vous êtes en mesure de payer votre facture de câble avec les fruits de votre travail photographique, vous devez toujours vous pousser pour continuer à vous améliorer. «Le succès n’existe pas. Le succès est une cible en mouvement et plus votre carrière avance, plus vous aurez besoin d’être performant pour pouvoir atteindre le niveau supérieur et repousser de nouvelles compétitions.

C'est avec cette malédiction cruelle à l'esprit que j'ai conçu une nouvelle mission pour moi-même.

Un peu de contexte. Je suis un photographe publicitaire et rédacteur ayant des clients principalement dans le secteur du fitness, des vêtements de sport et des sports. Je crée des images de sujets qui sont ensuite utilisés par les entreprises pour commercialiser leurs produits dans le monde.

Comme il s’agit d’un site de photographie et que de nombreux lecteurs s’interrogent sans doute, je photographie avec une variété de caméras. J'ai commencé ma carrière chez Nikon et je possède actuellement un Nikon D850. J'utilise généralement un Fuji X-T3 pour la prise de vue en contournement et les mouvements légers. J'ai un Canon EOS C200 pour plus de mouvement dédié. Et pour la plupart des campagnes publicitaires de grande envergure, j'ai toujours loué un système Hasselblad de format moyen avec une phase 1 afin de fournir la meilleure qualité à mes clients.

Si vous avez lu mes essais précédents, vous savez peut-être aussi que j'ai récemment essayé de combiner toutes ces machines en une machine «parfaite» pour moi (un appareil photo parfait n'existe pas, d'ailleurs) et que j'ai acheté le Le nouveau Fujifilm GFX 100. Il s’agit d’un appareil photo de format moyen doté d’un capteur de la taille d’une phase 1 (le capteur du Fuji est légèrement plus petit) et dépasse de loin la taille et la résolution du capteur de mon plein cadre Nikon. Le design et la convivialité des appareils photo Fuji m'ont enthousiasmé. Cet appareil photo me permet donc de prendre une grande partie de ce que j'aime du X-T3 et d'ajouter un capteur trois fois plus grand. C’est aussi un miroir qui, bien que j’ai été lent à adopter, m’a rapidement fait comprendre que c’était un avantage majeur. Auparavant, j’avais écrit en détail sur ma décision d’achat, mais pour l’instant, disons que les attributs du Fuji GFX 100 étaient bien adaptés à mon modèle commercial et aux demandes de mes clients spécifiques.

Mais tout cela est sur papier. Comment joue-t-il dans le champ réel? Et, puisque nous avons déjà établi qu’il n’existait pas d’appareil photo parfait, quelles sont les bizarreries bizarres que je devrais surmonter et les avantages cachés que je n’avais pas encore envisagés? J’avais fait quelques essais de lumière avec l’appareil photo, mais si j’avais confiance en cela comme corps principal, j’avais besoin de plonger l’appareil photo au plus profond d’une situation réelle pour voir s’il pouvait nager.

Il fallait un défi. Et c’est comme ça que mon projet 11 Women est né.

Je vais comprendre pourquoi le projet s’intitule 11 Women et que cet article fait référence à douze séances en un instant, mais d’abord aux grandes lignes du projet.

Avec n'importe quelle auto-assignation, j'ai deux objectifs de base. L'objectif numéro un, que ce soit pour moi ou pour un client, est de créer quelque chose de beau. Si je voulais simplement faire un travail et rentrer chez moi, j’aurais écouté les conseils de ma mère et gardé mon travail chez IBM. Je suis devenu artiste parce que j'aime l'art. La première étape consiste donc à créer quelque chose dont je pourrais être fier en tant que photographe.

L'objectif numéro deux de toute prise de vue test est de devenir meilleur en tant que photographe. Je sais ce que je peux faire maintenant. Je suis à l'aise avec ces compétences dans ma timonerie. Je les ai pratiqués mille fois avec différents clients et mes coups de cœur ont résisté à l’épreuve du temps. Mais une auto-affectation, sans la pression d'un client qui regarde par-dessus votre épaule, est le moment idéal pour vous pousser et essayer de nouvelles choses. Ils ne fonctionneront pas tous. Mais cela fait partie de la question. Apprendre de nouvelles techniques ainsi que d’autres moyens d’atteindre les résultats souhaités est la façon dont vous évoluez en tant que photographe.

Dans cet esprit, j'ai défini une règle simple pour chaque configuration. Je ne pouvais utiliser aucune configuration d’éclairage que j’avais utilisée auparavant. Cela peut sembler simple, mais après 15 ans de photographie, essayer constamment de trouver quelque chose que vous n’avez jamais fait auparavant est en réalité un défi plus grand que cela n’apparaît initialement.

Ce problème a été aggravé par la conception fondamentale du projet. Au lieu de louer un endroit, de choisir un modèle et de passer toute la journée à essayer différentes techniques et poses, je voulais ajouter une pression supplémentaire en raison des contraintes de temps et de la fatigue physique.

Donc, plutôt que d’avoir un seul modèle, j’ai décidé d’en prendre 12. Chacun devant être photographié lors d’une session autonome. J'ai ensuite programmé chacun des modèles dans une fenêtre temporelle de deux heures (environ une heure serait consommée par les cheveux et le maquillage). Avec chaque modèle, je me suis fixé comme objectif de réaliser 5 à 7 configurations (changements de concept, de garde-robe et d'éclairage) dans les délais impartis. Afin de respecter l'horaire du studio et mon budget, le temps de tournage a été réparti sur trois jours et demi consécutifs. Oui, c'était 24 heures au total. Non, ce n’était pas 24 heures de suite. Je dois dormir, après tout. Mais, compte tenu en particulier de ces journées qui consistaient également à charger et à emporter chaque matin et chaque soir afin de réduire les coûts, c’était plus qu’un effort physique suffisant sur une courte période pour tester ma santé mentale.

Quand j'étais au lycée, j'ai joué au basketball. Et au basket-ball, l’un des coups les plus faciles à prendre est un lancer franc. Il n’est pas gardé et vous n’avez même pas à sauter. Mais, pour rendre les choses encore plus difficiles pour nous, notre entraîneur nous faisait courir des sprints jusqu'à épuisement avant de pratiquer notre tir franc. Le fait est que tout idiot devrait pouvoir frapper un coup franc quand il est reposé et détendu. Mais dans un match difficile, au 4ème quart, quand vous êtes épuisé et que le jeu est en jeu, pouvez-vous quand même performer? Je n'ai jamais réussi à la NBA, mais le principe de base est resté avec moi. Vous devez être capable de travailler en tant que photographe, même lorsque vous n'êtes pas à votre hauteur, physiquement ou mentalement. Si vous pouvez toujours le faire lorsque votre chien est fatigué, c’est alors que cela compte.

La période condensée était un moyen d’ajouter une pression physique pour renforcer les leçons que j’apprenais sur la mémoire musculaire. De plus, en réduisant le temps dont je disposais pour chaque sujet, je simulais plus fidèlement une situation réelle, où le temps est compté et qu'il est peu probable que vous ayez une marge de manœuvre. Les décisions doivent être prises rapidement. La créativité doit être à portée de main.

En ayant autant de sujets, toutes ces pressions auto-appliquées sont passées à la vitesse supérieure. En fixant une règle que je ne pouvais pas me répéter, la créativité devait passer à l’hyperdrive. Cela a été poussé plus loin encore, car même si je ne pouvais utiliser aucune des configurations que j'avais prises avant de prendre la photo, je ne pouvais pas non plus utiliser les configurations que j'avais faites auparavant pendant la séance. Ainsi, alors que les nouvelles idées étaient assez simples pour le modèle numéro un, au moment où les modèles neuf et dix s’en trouvaient, la recherche de quelque chose que je n’avais pas encore filmé au cours des 18 heures précédentes était un véritable test de ma puissance cérébrale (limitée).

Ces tournages devraient tous se dérouler dans le même studio à quatre murs. Je pourrais utiliser le mur cyc intégré, mon propre support de fond portable avec des rouleaux de papier peint sans soudure ou les murs du studio lui-même (qui ressemble plus à un entrepôt trop petit). Je n’aurais pas le temps de construire des décors ou d’apporter des modifications majeures. La plupart des modifications que je ferais devraient donc se faire avec la lumière.

Oh, je devrais probablement aussi mentionner ici que le tournage a coïncidé avec une vague de chaleur majeure à Los Angeles. Et alors que le studio dans lequel je tournais avait juste assez de place pour faire demi-tour, il n’y avait pas de climatisation centrale. Heureusement, il y avait assez de fans pour garder les modèles relativement cool. Le photographe par contre?

Ce serait également un test massif pour le nouveau GFX 100. Je savais ce qu’il pouvait faire en théorie. Et j’ai fait un peu de tournage avec. Mais ce serait son premier test avec des balles réelles. Et plutôt que de faire un simple test, j'ai décidé de le jeter directement dans les profondeurs.

Tant de questions restaient en suspens dans le tournage. La qualité d'image que j'imaginais avec 100 MP est-elle vraiment à la hauteur du battage médiatique dans la pratique? En parlant de 100 MP, aurais-je des retards lors de la connexion à Capture One? Est-ce que tout le système planterait en raison de la taille des fichiers?

Et qu'en est-il de la vitesse de tir? Je suis notoirement rapide quand il s'agit de photoshoots. Je tire très vite et je peux repartir avec des milliers d’images en un seul tournage. Maintenant, multipliez cela par 12. Est-ce que je pourrais rapidement maximiser mes disques? Et puisqu'un système de format moyen sera plus lent que mon Nikon, aurais-je du mal à m'ajuster à une cadence de prise de vue plus lente?

En parlant de rythme, qu'en est-il de la vitesse de mise au point? Le Fuji GFX 100 est extrêmement rapide par rapport au GFX 50S ou à d’autres concurrents de format moyen. Mais par rapport aux alternatives plein cadre, il faudra un peu plus de temps pour manipuler tout ce verre. Serait-il capable de suivre? Ceci est particulièrement important car je tire principalement de fitness et de vêtements de sport. Ainsi, bien que ce ne soit pas tout à fait la même chose que d’être un reporter marginal lors d’un événement sportif, mes sujets évoluent rapidement et selon des schémas souvent imprévisibles. Quel serait mon taux de réussite? Est-ce que je ne retournerais dans la baie de montage que pour découvrir qu'un grand nombre de plans étaient flous?

Qu'en est-il de la taille du corps lui-même? Le GFX 100 n'a que la taille d'un reflex numérique avec une poignée de batterie. Donc, je ne m'attendais pas à trop de difficulté à le tenir toute la journée. Mais j’avais eu tort auparavant, alors photographier plusieurs jours de suite serait un véritable test.

Tourner plusieurs jours entiers permettrait également de tester la capacité de la batterie. Le corps contient deux piles à la fois dans la poignée intégrée. J'ai apporté deux piles supplémentaires. J'ai également acheté un chargeur supplémentaire, en pensant qu'une fois que je serais passé au deuxième jeu de piles, je pourrais charger simultanément les deux autres batteries et être prêt au moment où un troisième changement de pile pourrait être nécessaire.

À partir du moment où le premier modèle est entré dans la porte, tout était un peu flou. Comme prévu, le calendrier de production serré m'a laissé peu de temps pour réfléchir. La nature du projet, liée à la lecture et à la réaction, correspondait exactement à ce que je voulais, car elle m’obligeait à réfléchir et à agir rapidement. Cela présente l'avantage non seulement d'obtenir plus de clichés à la fin, mais également de puiser dans vos vérités créatrices les plus profondes. L'auto-évaluation est une partie importante de la croissance en tant qu'artiste. Et le temps condensé et les sujets multiples apporteront rapidement à la surface une représentation visuelle de vos instincts de base. Quelles compositions préfères-tu? Quel type de lumière vous excite? Quel type de lumière ne rentre pas dans votre esthétique?

Lorsque vous photographiez autant de modèles en peu de temps, c’est également une bonne pratique pour acquérir les compétences essentielles pour établir rapidement un rapport avec vos sujets. À part deux, je n’avais rencontré aucun des sujets avant leur arrivée au studio. Je savais très peu de choses à leur sujet si ce n'est que je les ai choisis dans le package de l'agence.

Parce que l'objectif d'une auto-affectation est de grandir, j'ai délibérément essayé d'adapter chaque session aux compétences de chaque sujet. Ainsi, par exemple, bien que ma spécialité soit la condition physique et les vêtements de sport, je n’ai pas fait appel aux modèles de condition physique pour le projet. Je ne me suis pas non plus limité aux images liées à la condition physique. Au lieu de cela, je divise chaque tournage en deux. J'ai des vêtements de sport, car c'est ma spécialité. Mais si le modèle était plus à la mode, ou plus commercial, ou quelque chose entre les deux, je créerais aussi des clichés adaptés à cela. Cela a eu pour effet à la fois d'étirer mon esprit de manière créative et de créer un portefeuille d'images finales plus diversifié. L'objectif était de célébrer le caractère unique de chaque sujet et d'exprimer visuellement quelque chose à leur sujet au-delà de leur apparence physique. Chaque femme était spéciale à sa manière, et je voulais capturer ça.

Oh, c'est probablement le bon moment pour expliquer pourquoi le projet s'appelait 11 femmes, alors qu'il s'agissait de 12 modèles en 24 heures. Non, on n'était pas un fantôme. À l’origine, mon plan était d’avoir un équilibre assez équilibré entre hommes et femmes. Mais au fur et à mesure du processus de casting, la balance a commencé à pencher davantage en direction des modèles féminins. En plus de cela, nous avons eu des annulations de dernière minute, ne me laissant qu'un sujet masculin pendant la semaine. Son tournage était tout aussi génial, mais j’ai eu l’impression de le laisser être le seul homme dans une mer de femmes à ressortir comme un pouce endolori dans une présentation. Par conséquent, j'ai mis son tournage dans une série différente et concentré le plus grand projet autour des femmes. Mystère du modèle manquant résolu.

Mais, étant donné mon public, je devine que la vraie question que vous voulez savoir, c'est comment le GFX 100 a fonctionné. En un mot: magnifiquement.

Si l’on élimine le débat sur la qualité de l’image, la réponse est oui. Juste oui. La raison principale pour laquelle vous avez besoin de 100 MP n'est pas parce que cela améliorera vos images. Le nombre de mégapixels n’est pas synonyme de mérite artistique. Donc, si vous avez, comme moi, de nombreux clients qui ont besoin d'imprimer leurs images en grand pour des affichages en magasin, des emballages de produits, etc., les mégapixels ajoutés deviennent une nécessité. De même, si vous êtes un photographe d'art et que vous réalisez de grands tirages pour des galeries, 100 MP vous faciliteront la vie beaucoup plus facilement. Cependant, si vous publiez uniquement sur Instagram ou en ligne, vous pouvez toujours obtenir des résultats impressionnants pour un investissement bien moindre.

Cela dit, même en regardant les images sur un écran d'ordinateur dans Capture One, Holy Sweet Moly. Ces choses sont pointues. Il y avait une image que j'ai prise d'un modèle allongé dans une baignoire, portant cette chemise en soie. J'étais à une distance décente d'elle, tirant à main levée avec le 110 mm (équivalent à 85 mm). Lorsque j'examinais l'image dans Capture One à l'aide de l'outil Boucle, je me suis concentré pour vérifier la mise au point. Non seulement c'était ridiculement aigu, mais je pouvais même voir un fil lâche autour de sa boucle de ceinture. En outre, je jure que je pourrais voir chaque fibre qui compose ce brin lâche. Naturellement, j'ai retouché ça. Mais, vous pouvez toujours voir les détails et les fibres dans la soie elle-même. Ce genre de chose peut ne pas être nécessaire dans de nombreuses situations. Mais si je photographiais pour le compte de cette société dans le but de vendre cette chemise sur le marché, pouvoir capturer ce niveau de détail ferait un client très heureux.

Bien sûr, ce sujet particulier s’est avéré plutôt stationnaire. Pourrais-je conserver ce niveau de détail dans un sujet en mouvement? L'autofocus capturerait-il le mouvement assez rapidement pour que le sujet et le produit restent nets?

Je dirais oui. Il y avait quelques coups manqués pour être sûr. Bien que, je suppose, si nous sommes minutieux, je dois aussi dire que je manque de ma part de tirs émouvants en termes de mise au point avec mon Nikon. Il est difficile de tout garder net lorsque vous ne savez pas où va le sujet. Mais, en tant que pourcentage du total, je dirais qu’il n’ya pas eu de baisse significative du nombre de prises de vue dont la mise au point a été faite. Si, par souci d'argumentation, nous disons que je reçois 90% de mes prises de vue Nikon (nombre totalement non scientifique, juste pour le plaisir de la discussion), je suis probablement à 80% au point avec le GFX 100 – les prises de vue de personnes qui se déplacent, Je veux dire. Les tirs stationnaires sont pointus à chaque fois. Gardant à l'esprit que c'était la première fois que je passais l'appareil photo à un test aussi difficile, je ne peux qu'imaginer que mes résultats s'amélioreront à mesure que j'en apprendrai davantage sur les divers modes de mise au point et déterminer ce qui est le mieux pour moi.

En passant, je me suis retrouvé à essayer un peu la mise au point manuelle. Ce n'est pas quelque chose que j'utilise beaucoup avec mon Nikon. Mais avec l'option de mise au point maximale disponible dans le viseur électronique sans miroir du GFX 100, il m'a été relativement facile de prédéfinir mes points de mise au point et de prendre des photos encore plus rapidement lorsque je savais où le sujet se dirigerait.

De plus, certaines des photos «floues» dont je parle sont moins floues que victimes du flou directionnel. La vitesse de synchronisation du flash du GFX 100 est de 1 / 125ème par rapport à celle du Nikon 1 / 250ème. C’est une différence mineure qui peut être surmontée avec un flash dont la durée est plus courte. Mais parmi les flashs à ma disposition pour ce projet particulier, je suis resté bloqué principalement avec des durées de flash plus longues. La synchronisation haute vitesse est une option. Cependant, vous perdez le courant avec HSS et j’éclairais souvent une zone assez large. Et la seule lumière que j'avais avec HSS était aussi la moins puissante. Mais je m'éloigne du sujet. Un obstacle que je devais surmonter, mais pas un obstacle insurmontable. Encore une fois, le type de situation idéal pour s’entraîner lors d’un tournage test.

Pour faire bonne mesure, j’ai également fait une photo de beauté avec l’ouverture de 110 mm de large à f / 2. Le maintien de la mise au point est particulièrement difficile à cette extrême en format moyen en raison de la profondeur de champ incroyablement étroite. Mais l'autofocus à détection de visage et IBIS fonctionnaient à merveille, et j'ai pu facilement garder le visage et les yeux nets, le bokeh commençant déjà par l'oreille et l'arrière de la tête.

En ce qui concerne la taille du fichier, j'ai été agréablement surpris. Je m'attendais vraiment à avoir plus de problèmes que lors d'un tournage aussi volumineux avec autant de fichiers volumineux. Mais je n’ai rencontré aucun problème de vitesse de lecture / écriture en prise de vue attachée. J'étais connecté à un MacBook Pro 2013 avec un SSD Samsung T5 externe de 1 To. Je craignais de manquer d'espace. Mais, j'ai pu photographier les 12 modèles en une seule session Capture One sur un seul disque. J'ai ensuite sélectionné les images dans Capture One, effectué mes réglages, y compris des allers-retours vers Photoshop lorsque cela était nécessaire, et complètement enveloppé le projet avant de manquer d'espace sur mon SSD. J'ai apporté un deuxième disque au moment de sortir les quelque 300 sélections finales dans une multitude de formats, mais la configuration était bien meilleure que ce à quoi je m'attendais.

En ce qui concerne la vitesse de tir, c’était un autre avantage inattendu. Comme indiqué précédemment, je tire vite. Très rapide. Je ne veux pas dire que je maintiens le déclencheur, vaporise et prie. Je veux dire que je reçois généralement mes idées rapidement, je les exécute rapidement et je passe à autre chose. C’est un grand avantage pour mes clients, car je peux reconstituer un grand nombre d’actifs en une période relativement courte.

Mais il y a une chose comme être trop rapide. Et il y a un avantage à ralentir de temps en temps et à creuser un peu dans un concept. Une chose que je remarque toujours lors de la prise de vue au format moyen, c’est que j’ai tendance à rentrer chez moi après avoir tiré beaucoup moins de cadres. Non pas que je ne puisse pas aller plus vite. C’est simplement que quelque chose au sujet des détails et de la profondeur de chaque image m’inspire à vouloir aller un peu plus lentement et rester un peu plus à l’intérieur de chaque image. Tirer avec le GFX 100 m'a certainement donné cette envie.

J'ai tourné en mode mono-image 16 bits complet, plutôt qu'en mode rafale (qui passerait à 14 bits). Je me suis vraiment concentré sur la visualisation du cadre complet. J'ai passé beaucoup plus de temps que d'habitude à bricoler mes lumières pour que les choses soient exactement là où je voulais qu'elles soient à huis clos. Malgré l'incroyable capacité des images GFX à être ajustées en post-production à la suite d'erreurs d'exposition, je préfère toujours tout capturer Je peux à huis clos. J'ai pour règle de ne pas passer plus de 10 minutes à retoucher une image individuelle par la suite. Sinon, je commence à me sentir plus comme un retoucheur que comme un photographe. Ce n'est pas un coup à la méthode de quelqu'un d'autre. C’est une règle purement personnelle et la façon dont j’ai personnellement choisi d’aborder mes pousses. Mais je me suis vraiment plongé dans cette façon de penser avec le GFX 100 et en travaillant beaucoup plus méthodiquement. Le résultat est moins d'expositions mais plus d'images de héros mémorables par rapport à une multitude d'images tout à fait acceptables mais finalement oubliables, du moins à mon avis.

Curieusement, même si j'ai pris moins de vues par sujet, j'ai trouvé que le nombre de détenteurs était à peu près le même que si j'avais tiré trois fois plus. Je fixe un objectif de 25 images de héros pour chaque sujet. Avec un reflex numérique, il serait facile de décomposer 800 images pour que chacun atteigne ce nombre. Avec le GFX 100, je tirais peut-être entre 200 et 250 images par sujet et je finissais toujours au rendement souhaité.

En termes de convivialité et de praticité, ma main n’a jamais été fatiguée de tenir le GFX 100. Bien qu’il soit un peu plus lourd que ma configuration standard du Nikon D850, il semble en quelque sorte plus léger. Je pense que cela dépend uniquement de la manière dont le poids est distribué. Mais je n'ai jamais trouvé ma main fatiguée.

La poignée verticale est un problème bien connu avec l'appareil photo. Pour une raison quelconque, Fuji a décidé de conférer à la poignée verticale une poignée verticale en plastique élégante, belle mais moins pratique que la poignée principale, qui est le caoutchouc habituel auquel vous vous attendiez. Cependant, je n’ai jamais vraiment eu l’impression que la poignée verticale allait glisser de ma main.

La seule chose qui me dérangeait au sujet de la prise verticale, cependant, était que, pour une raison quelconque, j'avais du mal à essayer de récupérer la mémoire musculaire pour savoir où se trouvait le joystick de mise au point lorsque vous teniez l'appareil photo dans cette direction. Mon pouce a continué à tendre la main vers le joystick et à se retrouver sur l'un des boutons de fonction. Je n’ai pas eu de problème en le tenant à l’horizontale et en atteignant le joystick principal. Je pense que c'est parce que lorsque vous tenez l'appareil photo avec la poignée verticale, le joystick est positionné juste à gauche d'un léger rebord à l'arrière de l'appareil photo. Donc, vous devez essentiellement dégager la lèvre et atterrir sur le joystick, par opposition à une orientation horizontale, où vous déplacez simplement votre pouce vers la gauche et bougez, vous êtes sur le joystick. Je suis sûr que je vais m'habituer à ça. Mais, dans la pratique, je me suis vu obligé de retirer mon œil du viseur électronique pour localiser le joystick vertical plusieurs fois afin de pouvoir déplacer mon point de mise au point.

En ce qui concerne la durée de vie de la batterie, il s'agissait d'un autre avantage surprise. Mais, je devrais souligner que cet avantage est influencé par ma situation de tournage typique. Un, je déteste les écrans LCD. Ainsi, alors que l'EVF est allumé en permanence, mon écran LCD arrière est presque toujours éteint. Deux, je tire attaché. Cela signifie qu'un câble USB est connecté en permanence entre mon appareil photo et mon ordinateur. Ce câble remplit deux fonctions. Lors de la prise de vue, les images de l'appareil photo sont transférées sur l'ordinateur. Mais, lorsque vous ne prenez pas de vue, l'appareil photo se recharge via la clé USB. C’est formidable, car si vous voyagez, oubliez votre chargeur ou n’avez simplement pas l’impression de le brancher, vous pouvez recharger votre appareil photo en le laissant branché à l’ordinateur du jour au lendemain.

Mais, j’ai découvert que c’était un avantage supplémentaire en termes de durée de vie de la batterie: entre deux prises de vue, j’allais naturellement éteindre mon appareil photo et le poser lors de la configuration du prochain plan. Chaque fois que je l'éteignis et le posais, l'appareil photo cessait de transférer des images au chargement. Donc, essentiellement, mon appareil photo était continuellement rechargé toute la journée et ne perdait vraiment de l'énergie que lorsque j'avais un sujet devant lui. En conséquence, je n'ai jamais eu à changer ces deux batteries initiales au cours de la séance de plusieurs jours.

Ceci, bien sûr, ne sera pas un avantage si vous ne tirez pas attaché. Mais, le lendemain du tournage, j’ai tourné un éditorial de célébrités sans être attaché et j’ai quand même pu tout faire sans changer de pile. Cela ne veut pas dire qu’il n’y aura pas de jours où la configuration du chargeur double sera nécessaire, mais si vous filmez en studio toute la journée, c’est un avantage surprenant.

À la fin de la semaine, j'avais accompli exactement ce que j'avais l'intention de faire. Je m'étais poussé de manière créative et j'avais créé de nouvelles œuvres d'art qui n'existeraient pas si j'avais fait ce que je faisais «d'habitude». Alors que certaines choses fonctionnaient et que d’autres ne fonctionnaient pas, j’ai progressé en tant que photographe. Et en jetant ma nouvelle caméra au plus profond de moi, j'ai été capable de sortir de la semaine avec une compréhension beaucoup plus profonde de son fonctionnement et de la façon de tirer le meilleur parti de celle-ci.

L'un des avantages d'avoir tiré avec Nikons pendant la plus grande partie des 15 dernières années, c'est que je connais parfaitement les systèmes depuis le début de la bataille. Condenser tellement de temps derrière le Fuji en un laps de temps aussi court m'a permis de mieux comprendre ses propres problèmes et sa façon de les contrer. J'ai utilisé à la fois cette expérience avec l'outil et les nouvelles techniques créatives développées au cours du tournage pour en faire un tournage professionnel de haut niveau le lendemain, avec l'assurance que mon équipement et moi serions à la hauteur de la tâche. .

Il y a un vieux secret pour travailler. Une fois que vous êtes capable de soulever une certaine quantité de poids, le travail ne fait que commencer. Vous devez continuer à ajouter de plus en plus de poids pour continuer à se développer. Sinon, vous aurez un plateau.

Développer vos propres défis est le moyen idéal pour repousser vos limites créatives et développer votre force artistique. Lancez-vous dans les profondeurs et voyez si vous savez nager. Vous ne savez jamais jusqu'où vous pouvez aller.