BLe théâtre ritish est en train de changer radicalement. Plus ambitieux que tous ceux que j'ai vus depuis plus de 20 ans en tant que De l’observateur critique de théâtre. En accélérant. En retard. Irrévocable. Bienvenue.
Il existait un modèle pour les directeurs artistiques de théâtres. Un modèle à peu près aussi restreint que les candidats à la direction du parti conservateur. Blanc et mâle. Évidemment. Cela a été tellement continu avec la position par défaut du pouvoir en Grande-Bretagne que pendant des siècles cela est passé inaperçu. Plus maintenant. Lors de la conférence de presse pour annoncer sa saison d'ouverture en tant que directeur artistique du Donmar en avril, on a demandé à Michael Longhurst si, en tant que Blanc, il se retrouvait maintenant dans une minorité parmi les nouveaux candidats. Oui, dit-il "Très bien."
Ce changement de mentalité a pris de l'ampleur depuis le début des années 2000, lorsque Gemma Bodinetz a pris ses fonctions à Liverpool et que Vicky Featherstone dirigeait le nouveau National Theatre of Scotland. La fin du blanchissage du théâtre britannique (ou plutôt le début de la fin) est survenue plus tard, mais progresse de manière plus décisive. L'année dernière a été cruciale: une série de nominations de personnes de couleur ont réorganisé l'alphabet des directions artistiques. De Justin Audibert à Matthew Xia.
Un coup d’œil sur Young Vic de Londres, où Kwame Kwei-Armah a pris le relais l’an dernier, montre à quel point une nouvelle tête de théâtre peut faire toute la différence. Sa tâche semblait ardue: son prédécesseur, David Lan, avait dirigé un théâtre superbe. Mais Kwei-Armah a déjà prouvé qu'il existe un autre type de superbe. Sa programmation a été distinctive et audacieuse, mêlant texte et musique (un carnaval La douzième nuit) triomphalement dans le casting d'acteurs noirs dans des parties précédemment considérées comme le royaume des artistes-interprètes blancs (Mort d'un vendeur), mettant en scène des œuvres mêlant danse et installations (Bronx Gothic). L'atmosphère dans le bar se galvanise. Il y a quelques années, l'actrice Janet Suzman a affirmé que «le théâtre est une invention blanche, une invention européenne, et que les Blancs y vont». Le jeune vic en est une réfutation vivante. Comme Stratford East, un théâtre ravivé par le dynamisme de sa nouvelle directrice artistique, Nadia Fall. Fall déclare: «La diversité n'est pas notre but ultime. Notre objectif final doit être la qualité du travail. »Donc, ne jouez pas pour son éducation« asiatique stricte »- pas plus que le National Theatre de Nicholas Hytner était lourd de drames sur le fait d’être juif à Manchester. Au contraire, elle a apporté un internationalisme dynamique – et un accent nouveau sur le design inventif. Les créatrices ont été à l'avant-garde du remodelage du théâtre et de ses effectifs: Rosie Elnile et Joanna Scotcher ont fait rayonner Stratford.
En apportant de nouveaux looks, de nouveaux sons, de nouveaux sujets dans leurs théâtres, les nouveaux réalisateurs élargiront les possibilités et les audiences – en particulier s'ils gardent un œil sur le prix des billets. Dans les entretiens avec les nouveaux directeurs artistiques qui suivent, j’ai été particulièrement frappé par les propos de Suba Das de HighTide sur la recherche de contacts avec les chorégraphes et la mise à profit de la passion du stand-up. Il est difficile, cependant, de deviner quels changements seront opérés: si nous savions quelle serait la prochaine étape, ce ne serait pas nouveau. Ce qui est encourageant, c’est qu’une barrière est renversée dès qu’une barrière est renversée. Les Shakespeares féminines 2012 du Donmar ont marqué un tournant. La publicité portait sur leur féminité, mais les productions étaient des juments troyennes, changeant la norme: elles présentaient des corps plus noirs, plus bruns, plus courts et plus ronds – et des accents plus non-RP. Nous avons vu des talents dont la scène avait été affamée. Nous verrons plus sous ces nouveaux patrons. Peut-être aurons-nous même beaucoup plus de gens de couleur critiques de théâtre.
Contenus
Lynette Linton: «Regardez-vous Netflix? Si oui, viens un peu plus loin sur la route… »
Théâtre de brousse
Lynette Linton, 29 ans, est née à Leytonstone, dans l'est de Londres, et avait très tôt l'ambition de devenir actrice à l'écran. Le théâtre ne lui a pas plu au début, mais après avoir rejoint le National Youth Theatre au début de la vingtaine et reçu les encouragements du réalisateur Rikki Beadle-Blair, elle s’est tournée vers l’écriture et la mise en scène. Soutenue par un travail chez John Lewis – elle a travaillé dans le hall d’alimentation d’Oxford Street et a dirigé le magazine interne du détaillant – Linton a écrit sa première pièce de théâtre, Étape, qui a eu lieu au Theatre Royal Stratford East en 2013. Elle a ensuite dirigé les œuvres du Gate Theatre et du Donmar, où elle a produit pour Lynn Nottage’s Transpiration reçu cinq critiques cinq étoiles en décembre dernier (transféré dans le West End plus tôt ce mois-ci).
Le théâtre Bush, situé dans un quartier «incroyablement multiculturel» de l'ouest de Londres, est réputé pour être un champion du nouveau talent d'écriture – il a créé les premières œuvres d'écrivains tels que Stephen Poliakoff et Conor McPherson – et attire de nombreux auditoires. En tant que directeur artistique de Madani Younis, qui se trouve maintenant au Southbank Centre, Linton est déterminé à entrer en contact avec les communautés locales et à ouvrir davantage le bâtiment au public plus jeune et aux créateurs. «Quand j’avais 15 ans, je n’étais pas une personne de théâtre, dit-elle, alors que puis-je faire pour que les jeunes de 15 ans se sentent désormais comme des gens de théâtre?
Quels sont les trois mots qui résument votre théâtre?
Gras, frais et ouest-londonien (on peut en dire autant d’un mot).
Vendez du théâtre à quelqu'un qui dit qu'il n'est pas du genre à faire du théâtre…
Regardez-vous Netflix? Est-ce que tu vas au cinéma? Si c'est le cas, venez un peu plus loin et regardez une histoire en direct. Parce que tout est narratif. Et la vie du théâtre est tellement excitante.
Qu'est-ce qui améliorerait le théâtre britannique?
Comprendre que le travail communautaire et le travail «professionnel» sur scène est la même chose. La communauté devrait nourrir le travail sur la scène et vice versa. J'ai toujours une salle de répétition ouverte. J'invite les jeunes à participer, à apprendre, à en faire partie et à donner leur avis. Pour qui fais-tu autrement?
Quel spectacle avez-vous vu récemment qui a vraiment eu un impact sur vous?
Mon meilleur ami blanc au bunker. Cela réagissait aux événements qui se passaient cette semaine-là et cela me faisait beaucoup réfléchir sur la responsabilité du théâtre de réagir aux événements actuels.
Qui ou qu'est-ce qui t'a initié au théâtre?
Rikki Beadle-Blair [artistic director of Team Angelica]. Je l'ai rencontré par l'intermédiaire du National Youth Theatre, puis je suis allé voir l'une de ses pièces au Theatre Royal Stratford East. Je me souviens que je me suis assis au guichet et que je me suis senti un peu déplacé. Il est venu et m'a pris dans ses bras et m'a offert un billet gratuit. J'y suis allé et j'ai regardé certaines des lectures répétées qu'il avait eues dans la saison des Contes angéliques, et c'est à ce moment-là que j'ai joué à «Wow». Je me souviens d’être sorti du théâtre et d’être resté à l’arrêt de bus pendant une demi-heure, disant «c’était vraiment spécial». Il a explosé à partir de là. Je me demande toujours si j’aurais trouvé le chemin du théâtre s’il ne l’avait pas fait. Cela alimente mon travail maintenant.
Meilleure production que vous'Ve seen et pourquoi?
J’ai suivi la carrière d’Arinzé Kene pendant longtemps. Je me souviens avoir vu La propriété de Dieu au théâtre Soho et vraiment en tomber amoureux. Regarder sa progression vers [his latest play] Brumeux a été inspirant, mais voir La propriété de Dieu probablement changé ma vie.
Que pouvez-vous vivre sans au travail?
Sachets de thé Yorkshire. C’est la première chose que j’ai changée à Bush: ils avaient PG Tips et j’avais l’impression: «Qu'est-ce que c'est?!». J'ai cinq tasses par jour; si je répète, c’est pire. Mon thé est très spécifique. Ce n’est pas du sucre, incroyablement fort, peut-être deux gouttes de lait. Vous devez mettre le lait avant de sortir le sachet, sinon il perd son goût. C’est très important.
Quels livres sont sur votre table de chevet?
Je viens de relire Petite île par Andrea Levy, et je suis sur le point de commencer Natives par Akala. J’ai vu la production de Small Island à l’Olivier et j’aime beaucoup l’écriture d’Andrea Levy. Je souhaitais donc passer un peu plus de temps avec le livre.
Hamilton ou Hamlet?
Hamilton. C’est l’une des meilleures choses depuis des années. C’est magnifique.
Qui serait ton rêve personne avec qui travailler – mort ou vif?
James Baldwin. Il est l'une de mes plus grandes inspirations et je me souviens d'avoir lu ses livres à l'université. La chambre de Giovanni et Un autre pays Plus précisément. Il m'a fait voir le monde différemment.
Quoi devrions-nous venir voir à votre théâtre?
Étrange fruit par Caryl Phillips (jusqu'au 27 juillet). Cela fait partie de notre programme Passing the Baton, où nous faisons revivre une œuvre d’un artiste de couleur qu'il convient de voir. Ce sera un spectacle phénoménal. KF
Michael Longhurst: "Il s'agit d'un succès de la condition humaine unique en son genre"
Entrepôt Donmar
C’est peut-être l’emploi le plus convoité du théâtre britannique: diriger le magasin londonien Donmar Warehouse, le théâtre de la boutique Covent Garden, qui dépasse constamment son poids. Suivant les traces de Sam Mendes, Michael Grandage et Josie Rourke, Michael Longhurst a une énorme tâche devant lui, mais celui-ci, âgé de 38 ans, semble imperturbable.
"Et nous sommes partis !!!! Allez-y », a-t-il tweeté alors qu'il entamait sa première saison début avril sous la bannière« des histoires importantes racontées avec enthousiasme »et avec le sentiment de se mettre directement au travail.
Né à Bromley en 1981, Longhurst a étudié la philosophie à l’Université de Nottingham avant de se diriger comme metteur en scène à la Mountview Academy of Theatre Arts de Londres. Il s'est fait connaître avec Nick Payne Constellations, qui a été transféré de la Cour royale au West End en 2012. Depuis lors, ses coups portés à Amadeus au théâtre national, Ils en boivent au Congo à l'Almeida et Caroline Ou changer au théâtre de festival de Chichester, puis dans le West End.
Sa mission «consiste à s'assurer que les histoires les plus pertinentes et les plus importantes arrivent sur notre scène», dit-il. "Nous avons programmé beaucoup de nouvelles écritures et de réveils qui résonnent avec ce que le monde est en ce moment." Ils ont commencé la semaine dernière avec le prophétique David Greig L'Europe , qui explore notre relation complexe avec le continent. «C’est le 25e anniversaire de la pièce et on dirait qu’elle a été écrite hier», dit Longhurst.
Quels sont les trois mots qui résument votre théâtre?
Petit entrepôt magique. C’est un espace miraculeux – 251 places assises au cœur de Covent Garden, et l’intimité qui règne en fait une expérience incroyable. C’est toujours une église d’acteurs parce que vous pouvez voir le blanc des yeux et les gouttes de sueur, ce qui permet une connexion électrique.
Comment décririez-vous votre public actuel et que ferez-vous pour attirer de nouveaux publics?
Le public actuel est très loyal et généreux et il est prêt pour un mélange éclectique de travail. En ce qui concerne les nouveaux publics, nous poursuivrons le programme Young + Free, en offrant des billets gratuits aux moins de 25 ans, et nous introduisons Donmar Daily Release, ce qui signifie que nous retiendrons des billets pour que 40 d'entre eux puissent être diffusés chaque jour pour un spectacle. dans une semaine. Cela permet aux personnes qui ne peuvent pas réserver à l’avance d’avoir accès aux billets.
Comment vendriez-vous le théâtre à quelqu'un qui dit qu'il n'est pas du genre théâtre??
Je dirais que le théâtre est un succès de la condition humaine comme aucune autre forme d'art. C'est la meilleure façon de recevoir une histoire aujourd'hui. Les jours de fenêtres françaises et de farces françaises vacillantes sont derrière nous. Le théâtre est à une époque où il utilise sa forme avec audace pour raconter des histoires vraiment passionnantes, et rien ne ressemble à l'événement en direct.
Le théâtre britannique est-il pour tous?
Historiquement, cela n’a pas été le cas. Je pense que cela se réveille vite et que les artistes et les réalisateurs doivent rendre des comptes sur qui est représenté sur nos scènes et qui doit faire et raconter ces histoires.
Quelle seule chose améliorerait britannique théâtre?
Plus de subvention gouvernementale. Le retour de l'économie a été prouvé. Le Donmar reçoit une subvention de 7%, un montant très faible, ce qui explique pourquoi notre service de collecte de fonds est si important. Une grande partie de nos revenus provient de la philanthropie et du parrainage.
Quel spectacle avez-vous vu récemment qui a vraiment eu un impact sur vous?
Mort d'un vendeur chez le jeune Vic m'a laissé pleurer. Wendell Pierce et Sharon D Clarke étaient incroyables. C’est une pièce étonnante sur l’espoir que les parents ont en leurs enfants et le désir de plaire à leurs parents. Cet axe d’attente changeant est déchirant et l’objectif afro-américain présenté par la production de Marianne Elliott m'a fait revoir la pièce.
Qui ou qu'est-ce qui vous a amené au théâtre en premier?
J'ai adoré le panto comme un enfant. Plus tard, ce sont ma professeure d'anglais, Mme Withers, et mon professeur d'art dramatique, Tom Band, de l'école St John Rigby de Bromley qui ont enflammé ma passion. C’est dévastateur que les matières artistiques ne soient plus au programme.
Avez-vous un mentor ou un modèle?
Dominic Cooke a toujours été une main guide et une lumière pour moi. Dès le début de ma carrière à la Cour royale, il m'a donné de bons conseils et m'a conseillé de créer des entreprises d'art et de diriger l'art.
Quelles sont les trois compétences personnelles dont vous avez besoin en tant que directeur artistique?
Endurance, endurance, endurance. En tant que réalisateur indépendant, je pouvais entrer de manière obsessionnelle dans la bulle du spectacle. En ce moment, alors que je suis en répétition, le bâtiment a encore besoin d'attention, de soutien et de financement. Ces choses ne disparaissent pas pendant que vous faites l’art.
Forme d'art préféré autre que le théâtre?
Impossible de répondre. Mais j'aime une galerie d'art. Je pense que les pièces de théâtre sont des sculptures cinétiques. J’adore le processus de conception des spectacles: c’est fascinant et magique pour moi.
Hamilton ou Hamlet?
Je voudrais diriger les deux.
Avec quel acteur rêverais-tu de travailler?
Il y a tellement d'acteurs que j'aime autant qu'il est difficile d'en nommer un, mais Billie Piper, Olivia Colman, Riz Ahmed – m'appellent. LO’K
Suba Das: «Nous devons voir que la diversité a vraiment un sens commercial»
Marée haute
Suba Das est née en 1984 dans une commune de Ashington, près de Newcastle, fils d'immigrés originaires de l'Inde rurale. Deux fois par semaine, son père, un employé de restaurant, conduisait Das et sa jumelle Deba à la bibliothèque, inculquant aux frères le goût d'apprendre qui les aidait à obtenir des bourses d'études au lycée de Newcastle Royal, puis à l'université de Cambridge. Après un cours de direction au Birkbeck College, à Londres, Das a débuté en tant qu’assistant-réalisateur au Theatre Royal Stratford East, puis au Nottingham Playhouse et au Young Vic, entre autres. Plus récemment, il a été directeur associé de Curve Leicester, où il a supervisé le développement de nouveaux travaux. Ses crédits chez Curve inclus Essuie glace par Ishy Din et Révolution Sari Rose par Purva Naresh.
Das a fait ses débuts à l’opéra en 2017, en dirigeant la première mondiale de Ravi Shankar. Sukanya pour l'Opéra Royal. Au printemps dernier, il a rejoint HighTide, la compagnie théâtrale du Suffolk dédiée à la découverte et au lancement de nouveaux dramaturges, qui produit des festivals à Aldeburgh, Édimbourg et, à partir de 2021, à Lowestoft. Son premier défi majeur a été le conseil municipal de Waltham Forest, qui a soudainement retiré son financement du festival HighTide de cet été à Walthamstow, ce qui a entraîné son annulation. «C’était décevant mais, en vérité, un signe des temps», déclare Das. «Nous ne pouvons plus compter sur des sources de financement traditionnelles telles que les autorités locales. Nous devons rechercher de nouveaux moyens de collecter des fonds et de nouveaux moyens de toucher des publics divers. »
Pourquoi la nouvelle écriture est-elle importante?
Nous nous tournons vers l'art pour nous aider à nous comprendre et à comprendre notre monde, et de nouvelles voix, normalement inouïes et marginalisées, nous permettent de regarder la vie sous des angles inattendus. Nous traversons une période tumultueuse où nous devons nous demander qui nous sommes en tant que société et qui nous sommes en tant que personnes. Le théâtre doit en faire partie. Je suis intéressé à développer non seulement de nouveaux auteurs, mais aussi des artistes de créations orales, des chorégraphes et des producteurs de théâtre physique.
Qu'est-ce qui améliorerait le théâtre britannique?
Comprendre que la diversité, un mot qui fait l’objet d’une action affirmative, a tout son sens. Plus vous attirerez de types différents de personnes, mieux ce sera.
Quels sont les trois premiers compétences dont vous avez besoin en tant que directeur artistique?
Générosité, car le leadership consiste à donner ce que vous êtes prêt à donner. La flexibilité, parce que, Dieu le sait, votre journal changera au jour le jour. Et prudence fiscale.
Quel spectacle avez-vous vu récemment qui a vraiment eu un impact sur vous?
Emilia par Morgan Lloyd Malcolm. J'espère qu'il reviendra et fera une tournée. C'est comme ça [a feminist call to arms with a diverse, all-female cast] doit être présent dans les écoles, dans les clubs de jeunes, dans les productions d’élèves – partout où il peut toucher les jeunes, en particulier les filles.
Quels livres sont sur votre table de chevet?
Écriture par le regretté dramaturge Stephen Jeffreys, qui constitue l’analyse la plus étonnante de l’art. Il était un génie de la structure et du caractère, de ses rouages, de son aspect pratique et éthéré. Et Bien-aimé par Toni Morrison, le livre le plus important que j'ai lu.
Comment vendriez-vous le théâtre à quelqu'un qui dit qu'il n'est pas du genre théâtral?
Je dirais que si vous aimez aller dans le comique, vous aimez aller en boîte, vous aimez aller au cabaret et vous aimez aller à un concert, alors, en fait, vous aimez le théâtre. LO’K
Charlotte Bennett et Katie Posner: "Si vous avez eu une journée terrible mais que vous pouvez encore rire, alors c’est bon"
Paines Charrue
Charlotte Bennett et Katie Posner, qui assumaient les fonctions de codirecteurs artistiques de la troupe de théâtre itinérante londonienne Paines Plough en août, se sont rencontrées alors qu'il dirigeait des pièces séparées au York Theatre Royal il y a 10 ans. Bennett, qui a grandi à Leeds, venait tout juste de créer sa propre compagnie, Forward Theatre Project, tandis que Posner, un Londonien, travaillait pour le théâtre York’s Pilot. «Au fil du temps, nous sommes devenus des mentors artistiques les uns pour les autres», explique Bennett. "Et parce que nous travaillions tous les deux avec des compagnies de tournées, nous avons eu beaucoup de grandes discussions sur les joies et les difficultés de cela."
Une décennie plus tard, avec Bennett à la tête du nouveau département d'écriture du théâtre Soho, et Posner dirigeant des spectacles à travers le pays à titre indépendant, les deux femmes avaient l'œil sur le travail principal de Paines Plough. Lorsque cela s'est produit, ils ont décidé de mettre leurs forces en commun plutôt que de rivaliser.
Leur mission au sein de la société fondée il y a 45 ans, qui se concentre entièrement sur la nouvelle écriture et qui a travaillé avec des écrivains tels que Sarah Kane, Mark Ravenhill, Enda Walsh, Abi Morgan et Mike Bartlett, sera "en défendant les inconnus et en atteignant les ignorés" , selon Bennett. Posner ajoute: "Il s’agit de trouver des artistes passionnants qui ne se définiraient pas forcément comme des auteurs dramatiques et de raconter des histoires de manière unique et brillante pour que l’industrie se réveille."
Quels sont les trois mots qui résument votre théâtre?
KP Partout, sans peur, immédiat.
Quel est votre public actuel? et comment allez-vous attirer de nouveaux les uns?
CB Notre public change de forme. Rond point [the company’s pop-up auditorium] commence à Édimbourg à la périphérie et se poursuit à des endroits comme Poole, Salford et Doncaster. Le public change donc d’un lieu à l’autre. Pour attirer de nouveaux publics, il s’agit de raconter de nouvelles histoires d’une manière nouvelle.
Vendez du théâtre à quelqu'un qui dit qu'il n'est pas du genre à faire du théâtre…
KP Il n’ya pas de solution unique. Vous venez d'avoir une conversation avec eux. "Qu'est ce que tu aimes? Qu'est-ce qui vous passionne? »J'ai dirigé une pièce de théâtre sur le football pour Northern Stage. Nous allions dans les pubs de Newcastle pour discuter avec les gens de ce que nous faisions. Nous avons donc véritablement vu un public différent.
Qu'est-ce qui améliorerait le théâtre britannique?
CB Valoriser davantage les arts dans l’éducation. Le fait que les matières artistiques soient retirées du programme d’études dans les écoles du pays tout entier fait comprendre aux jeunes que les arts ne sont pas une partie importante de leur vie ou de leurs perspectives de carrière.
À quel théâtre, en Grande-Bretagne ou ailleurs, aimez-vous le plus aller et pourquoi?
CB Théâtre en direct à Newcastle, car il est né d'un mouvement artistique de la classe ouvrière de la ville. Il n’ya pas de place pour l’ego ou la prétention, et il y a une vraie honnêteté dans les audiences geordie. Avant la mort de Margaret Thatcher, j'ai fait une émission contenant une citation de sa dernière journée au poste de président: «Je suis très heureuse de pouvoir quitter le pays dans un meilleur état.» Tous les soirs, le public a crié: «Fuck off! ”C'était incroyable.
Quel spectacle avez-vous vu récemment qui a vraiment eu un impact sur vous?
KP C’est la même chose pour nous deux: Brumeux au théâtre de brousse. Arinzé Kene est incroyable. Entrer dans cet espace et avoir une réaction viscérale à quelque chose qui se débattait avec la forme d’une manière innovante, cela nous a stupéfaits.
Qui ou qu'est-ce qui t'a initié au théâtre?
CB Ma sœur aînée [Helen Bradley, now deputy head of development at Guildhall School of Music and Drama]. Elle était mon modèle et l'est toujours. Après son passage à Hull et ses études en art dramatique, je suis allée à Hull et en ai obtenu un diplôme. Quand elle a travaillé à la Cour royale et m'a posté des pièces de théâtre, je les ai dûment dirigées. C’est là que j’ai trouvé mon amour de la nouvelle écriture.
KP La première pièce dont je suis tombé amoureux était celle de Jim Cartwright. Route. Je pensais qu'il y avait de vraies personnes, de belles histoires et un drame déchirant. Tout était logique à partir de là.
Meilleure production que vous avez vu?
CB Ruiné de Lynn Nottage, réalisé par Indhu Rubasingham en 2010. J'étais un huissier à l'Almeida, donc je l'ai vu beaucoup de fois. C'était si drôle et dynamique et beau mais aussi complètement dévastateur et déchirant et difficile. Il restera avec moi pour toujours.
KP Fille du nord pays [by Conor McPherson at the Old Vic]. C'était vraiment désordonné et je jouais avec la langue d'une manière que j'aurais probablement eu peur de faire. Cela a déclenché la prise de conscience du fait que la vie est en désordre et c’est formidable de le voir sur scène.
Que pouvez-vous vivre sans au travail?
KP Rire. Si vous avez passé une journée terrible et que les choses sont difficiles, mais que vous pouvez quand même rire, tout va bien.
Quelle est votre autre forme d'art préférée, et cela alimente-t-il votre travail?
CB Livres et musique. Quand j'écoute de la musique, cela m'aide à penser à des scènes ou à des sentiments.
KP La musique et le son sont une partie importante de ma façon de travailler. Le monde n’est jamais silencieux, alors je cherche toujours des moyens d’intégrer les sons et la musique sur scène.
Qui serait votre rêver collègue ou acteur avec qui travailler?
CB Joan Littlewood, la mère du théâtre moderne. Elle était toujours à la recherche de ce qui était moderne, frais et original.
KP Maxine Peake. Nous venons de la voir dans avalanche et nous l'aimons KF
Sean Foley: "Les Brummies sont généreuses avec un incroyable sens de l'humour sec"
Théâtre de répertoire de Birmingham
Sean Foley est un fier Brummie. Devenir directeur artistique du Birmingham Repertory Theatre signifie donc rentrer à la maison. Cela signifie également qu'il est profondément conscient de l'importance du représentant et de son bâtiment de 1971 dans la vie culturelle de la ville et de la nation. «C’est un théâtre historique, le premier au Royaume-Uni à s’installer dans son propre bâtiment», dit-il. «Théâtre pré-national, c'était l'endroit où Olivier voulait aller et être vu; Il s’est entraîné ici avec John Gielgud, Ralph Richardson, Peggy Ashcroft, Paul Scofield, c’est tout un héritage. »
Foley s'est fait connaître comme écrivain, comédien et acteur avant de se tourner vers la mise en scène. Il a co-fondé The Right Size avec Hamish McColl, et leurs spectacles sur scène Le jeu ce que j'ai écrit et Vous venez souvent ici? sont devenus des succès de longue date West End et Broadway. Les autres crédits de réalisation comprennent Jeeves et Wooster dans Perfect Nonsense, qui a remporté un prix Olivier en 2014, le Ladykillers, Ducktastic et le mal aimé Facteur X musical Je ne peux pas chanter!. Il a également réalisé le film de comédie 2016 Mindhorn.
Son prédécesseur au poste de représentant, Roxana Silbert (maintenant au théâtre Hampstead), a laissé la compagnie en position de force, après avoir été saluée pour sa promotion de la diversité, sa défense de l'accessibilité et le maintien continu de l'écriture nouvelle. Se mettre à sa place est «un défi de taille», déclare Foley.
Quel est votre public actuel et Comment vas-tu attirer de nouveaux les uns?
Ce sont des Brummies, donc ils seront intelligents, auto-obsolètes et étonnamment sophistiqués. Les habitants de Birmingham ont un sens de l'humour sec et étonnant. ils sont aussi très généreux. Birmingham a la population la plus jeune du Royaume-Uni et est en fait la ville la plus diversifiée, éclipsant même Londres. Pourtant, le théâtre reste essentiellement un sport de classe moyenne. C’est moins bien financé qu’avant, mais il y a quand même beaucoup d’argent public qui va au théâtre, et les résultats finaux ne touchent qu’une très petite proportion de la population. Donc, cela devrait changer. Et en changer, c’est vraiment faire des spectacles qui peuvent intéresser une large population et engager véritablement la population locale en faisant ce que le théâtre fait depuis des temps immémoriaux: raconter des histoires auxquelles les gens peuvent s’identifier de manière excitante.
Quel théâtre en Grande-Bretagne ou dans le monde aimez-vous aller??
Récemment, j’ai beaucoup aimé St Ann’s Warehouse à Brooklyn. L'ambiance était géniale, le public était très varié et le spectacle était superbe. C'était La face B par le groupe Wooster, composé de trois acteurs racontant les histoires derrière un album de chansons de gangs à chaînes et les chantant. C'était incroyablement émouvant.
Qui ou qu'est-ce qui vous a amené au théâtre?
Quand j'étais à l'université d'Oxford au milieu des années 80, je ne pouvais m'entendre avec aucune des sociétés de théâtre, alors j'ai fini par rejoindre le Oxford Youth Theatre. Les personnes qui la dirigeaient connaissaient par hasard ce groupe de chats fous qui venaient de rentrer d’une école de théâtre à Paris et créaient leur propre compagnie avec un nom extrêmement prétentieux: Théâtre de Complicité. Pour obtenir un espace de répétition gratuit, ils animaient des ateliers. Je suis allé voir un couple et j'ai pensé: ah… ah, c'est différent.
Avez-vous un mentor ou un modèle?
Kenneth Branagh a eu une influence considérable. Il m'a dirigé dans Le jeu ce que j'ai écrit et j’ai travaillé avec lui à maintes reprises depuis lors et j’ai beaucoup appris de lui pour mener des projets créatifs. C'est un chef brillant.
Que pouvez-vous vivre sans au travail?
Café et bananes, pas nécessairement dans cet ordre.
Quelle est votre autre forme d’art préférée et qu’elle alimente votre travail?
Le film est un grand amour pour moi. Billy Wilder est l'un de mes héros. Il a compris l’importance du rythme, du rythme et de la narration, autant d’éléments essentiels dans ma façon de diriger, en particulier avec la comédie.
Quels livres sont sur votre table de chevet?
Un homme celibataire par Christopher Isherwood parce que je le lis avec mon club de lecture; La chute et la montée de Reginald Perrin par David Nobbs parce que j'essaye d'en faire une comédie musicale pour le représentant; et Lowborn par Kerry Hudson, car on ressent absolument ce moment.
Avec qui travaillerait ton acteur de rêve ou ton collègue dirigeant?
Buster Keaton et Joan Littlewood.
Hamilton ou Hamlet?
C’est une question coquine, car vous me demandez de choisir entre une pomme et une orange. La chose évidente à faire serait de choisir les deux mais je ne vais pas le faire. Je vais dire Hamlet-tonne. LO’K
Tarek Iskander: «La Grande-Bretagne a besoin de plus de dialogue avec les travaux d'outre-mer»
Centre des arts de Battersea
Né à Sunderland de parents égyptiens, Tarek Iskander a vécu au Koweït entre 5 et 17 ans et est rentré en Angleterre au début de la première guerre du Golfe. Son introduction au théâtre a été tardive. Il travaillait comme consultant en gestion pour le NHS. Après avoir accompagné son partenaire lors d’une audition, il s’est retrouvé dans la production supplémentaire de Deborah Warner en 2005. Jules César au Barbican. «En regardant l'un des meilleurs réalisateurs au monde, j'ai pensé: je pourrais vraiment faire ça», se souvient-il.
Iskander a ensuite co-fondé le Yard Theatre à l'est de Londres, où il a dirigé deux de ses propres pièces, notamment Qudz, «Un spectacle qui me tient à cœur à propos de l'Irak et du Moyen-Orient». Il ne pouvait se permettre de quitter son emploi au sein du NHS il y a quatre ans, avant de devenir directeur par intérim du théâtre au Arts Council England. BAC, où il occupe actuellement le poste de directeur artistique et directeur général, met en scène un théâtre expérimental et teste depuis le début des années 1970 des œuvres en cours (ce qu’il qualifie de théâtre «à gratter») dans ses vastes locaux victoriens situés près de Clapham Junction, dans le sud de Londres. Iskander est un habitué de la région depuis des années. «C’est un endroit qui m’a toujours surpris, où je pouvais voir les artistes qui me passionnaient le plus et ne savaient jamais vraiment ce que j’allais obtenir», dit-il.
Quels sont les trois mots qui résument votre théâtre?
Surprenant, imprévisible, pionnier.
Qu'est-ce qui améliorerait le théâtre britannique?
Avoir plus d'échanges et de dialogue avec le travail international. Nous sommes des leaders absolus dans certains domaines, tels que l'inclusion et la diversité, mais nous aurions intérêt à poursuivre les échanges, en particulier autour de la pratique artistique. Cela peut venir de n’importe où – nous avons beaucoup appris en travaillant avec nos collègues des favelas au Brésil – mais vous devez vous engager avec le monde entier pour bénéficier de cette expertise.
Quel spectacle avez-vous vu récemment qui a vraiment eu un impact sur vous?
Selina Thompson’s Sel me hante depuis que je l’ai vue pour la première fois à Édimbourg, et cela m’a profondément ému de le voir récemment – c’est un élément remarquable de dialogue et de conversation.
Les trois premiers compétences dont vous avez besoin en tant que directeur artistique?
Vous devez être ouvert aux possibilités, où qu’elles se présentent, être disposé à prendre des décisions difficiles au besoin et à participer à ce qui se passe dans la communauté qui vous entoure.
Que pouvez-vous vivre sans au travail?
Caféine. Cela commence avec un cappuccino, puis devient un café noir très fort en fin d’après-midi.
Quelle est votre forme d’art préférée en dehors du théâtre?
Récemment, j’ai vraiment commencé à me lancer dans la danse, beaucoup plus qu’avant, alors je me retrouve constamment dans des spectacles de danse.
Quels livres sont sur votre table de chevet?
Je lis beaucoup de David Mitchell – plus récemment Number9Dream, que je pense être mon préféré – et Ben Okri, ses poèmes plutôt que ses romans. Next up is Wolf Hall by Hilary Mantel.
Hamilton ou Hamlet?
Hamilton, because it’s fresh.
Who would be your dream colleague?
Benjamin Zephaniah, either performing or developing a piece of work, a story that we could really get our teeth into. I’m interested in his focus on ecology and vegetarianism.
What should we come and see at your theatre?
Un by Bert and Nasi (30 September-19 October). I have seen this show twice and it’s that rare combination of hilarious but also deeply profound and moving. KF
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